В начале XIX века в живописи сохраняется сложившаяся иерархия жанров. Важнейшей по-прежнему считается большая историческая композиция. В новом столетии историческая живопись вступила в фазу зрелого классицизма и характеризовалась стремлением к простоте, ясности и строгой композиции. Историческая живопись того времени была тесно связана с академией, картины этого жанра писались главным образом для получения академических степеней или для религиозных нужд (иконостасы в соборах и церквах, иконы для частных лиц). Однако на рубеже XVIII—XIX веков в творчестве талантливых художников А. И. Иванова, А. Е. Егорова, В. К. Шебуева исторический жанр выходит на новый, более значимый этап развития.
Живописец и педагог Андрей Иванович Иванов (1776—1848), отец знаменитого художника середины XIX века Александра Иванова, в своих первых работах обращался к античным сюжетам («Смерть Пелопида», 1800, «Похищение Ганиме-да»), а позже к сюжетам из истории древней Руси («Подвиг молодого киевлянина»; «Единоборство Мстислава Удалого с Редедеею»). Иванов написал также несколько портретов (автопортрет, портрет жены).
Алексей Егорович Егоров (1776—1851) и Василий Козьмич Шебуев (1777—1855) прославились своими работами в строящемся Казанском соборе, показав себя зрелыми представителями классицизма. Шебуев известен как один из авторов иконостаса Казанского собора. Он также расписывал новые интерьеры Академии художеств (1830—1834). За историческую картину «Петр I в сражении при Пруте» В. К. Шебуев был назначен адъюнкт-профессором Академии художеств. Важное значение для развития исторического жанра в России имели картины Шебуева «Иоанн Креститель в пустыне» (1807— 1809); «Тайная вечеря» (1838).
В историю русского искусства Шебуев вошел как непревзойденный мастер академического рисунка, с 1831 года он занимал в академии пост ректора живописи и ваяния.
Изящные рисунки А. Е. Егорова («Венера, секущая Амура», «Купающиеся нимфы», «Пляшущие вакханки») принесли ему заслуженную славу и прозвище «русского Рафаэля». В иконостасе Казанского собора Егорову принадлежит композиция «Сошествие Святого Духа» (1811) и ряд других произведений. Известны и другие картины Егорова на библейскую тематику («Богоматерь с Христом и Иоанном», 1813; «Истязание Спасителя», 1814).
В историческом классе Академии художеств получил образование выдающийся русский художник Орест Адамович Кипренский (1782—1836). Однако в дальнейшем он обратился к жанру портрета, что и принесло Кипренскому известность в России и за ее пределами. Лучшие создания мастера проникнуты особым жизнелюбивым чувством, в них подкупает светлое гармоническое начало. В 1804 году Кипренский создает одно из самых оригинальных своих произведений — портрет отца, Адама Швальбе. Художественные идеи, воплотившиеся в портрете Швальбе, нашли
свое развитие в этюде двух обнаженных натурщиков — «Распятие» (1804—1805).
В 1804—1809 годах художник создал портреты И. В. Кусова, А. Р. Томилова, А. И. Корсакова. Интересен также ранний автопортрет Кипренского (около 1808): подкупает прямой и искренний взгляд художника, как бы открытый всем впечатлениям жизни.
Из московского периода творчества Кипренского представляют интерес портреты: графа Ф. В. Ростопчина и его жены Е. П. Ростопчиной (1809); мальчика А. А. Че-лищева.
С 1816 по 1823 год художник работал за границей: в Швейцарии, Италии, Франции и Германии. Там были созданы сентиментальные и идеализированные жанровые изображения («Молодой садовник», 1817; «Девочка в маковом венке», 1819).
Зрелым мастерством отличаются портреты Кипренского, созданные после возвращения в Россию: Н. П. Трубецкого (1826); Шереметева, декабриста И.А.Анненкова (1823), кавалергарда С. П. Бутурлина (1824). В 1827 году художник написал портрет А. С. Пушкина, явившийся событием в русской художественной жизни тех лет. Портрет чрезвычайно понравился самому поэту, который посвятил художнику и его произведению несколько стихотворных строк. В 1828 году Кипренский вновь уехал в Италию, где провел последние годы своей жизни.
Самым плодовитым (современники утверждали, что им было написано около 3000 портретов) и одним из наиболее одаренных русских портретистов первой половины XIX века был Василий Андреевич Тропинин (1776—1857). До 1823 года Тропинин оставался крепостным графов Морковых. Его образование заключалось в посещении бесплатных классов рисования в Академии художеств. Многие работы художник создал в Кукавке, украинском имении графа И. И. Моркова: «Пожилой украинский крестьянин»; «Свадьба в Кукавке»; «Пряха»; «Мальчик с жалейкой» (1821).
Произведения художника начала 1820 годов — портрет Н. М. Карамзина (1818), портрет П. П. Бекетова и другие — свидетельствуют о его зрелом мастерстве. Около 1818 года возникло одно из самых значительных и поэтичных произведений Тро-пинина — портрет сына художника. Мальчик изображен в быстром движении: он немного обернулся назад, скосив глаза, по-видимому чем-то очень заинтересованный. Хорошо найденное движение придает портрету большую жизненность, еще более усиленную особым приемом: художник погрузил в тень правую сторону лица; только блик на затененном глазу чудесно светится, да слегка играет на щеке отсвет от окна за спиной мальчика.
В 1830-х годах Тропининым были написаны превосходные портреты: графини В. А. Зубовой (1834); живописца К. П. Брюллова (1836) и многие другие. Позднее он часто обращается к форме группового (часто семейного) портрета, а в конце жизни рисовал этюды с персонажей «из народа» («Старик с палкой», 1847; «Старуха с курицей», 1856).
Тропинин принимал участие в деятельности московского «Художественного класса», в 1843 году преобразованного в Училище живописи и ваяния, второе после Академии художеств учебное заведение XIX века, где воспитывали скульпторов и живописцев.
Наряду с Кипренским слава лучшего портретиста пушкинского времени принадлежала впоследствии забытому Александру Григорьевичу Варнеку (1782—1843)
Варнек руководил в академии классом миниатюрной портретной живописи, вошедшей в то время в моду. В Государственном Русском музее хранятся такие работы Варнека, как портрет балерины Е. И. Колосовой (1801), автопортрет (1810). В творчестве Варнека наиболее сильно проявилось влияние западноевропейского романтизма.
Творчество Александра Осиповича Орловского (1777—1832) также менее значительно по содержанию и художественным достижениям, чем творчество Кипренского. Тем не менее Орловского отличают свои мотивы, свой круг романтических образов. В 1809 году Академия художеств присудила Орловскому звание академика за ряд патриотических работ («Командир во главе отряда», «Нападение разбойников», «Всадник»). В 1805—1808 годах Орловский разрабатывал тему «военных всадников»: «Вооруженный черкес на сером коне» (1805); «Киргизы верхом» (1807).
Лучшие, наиболее эмоциональные работы Орловского — графические портреты А. Д. Денисова, Г. И. Вилламова, автопортрет. Все они созданы в 1806— 1812 годах.
Живописцем, внесшим в искусство начала XIX века нотки демократической
простоты, был крепостной Н. П. Шереметева Николай Иванович Аргунов (1771 — после 1829).
Ему принадлежат многочисленные изображения представителей дворянского общества (портрет П. И. Шереметевой, 1803), а также людей средних слоев и крепостных (портрет Г. В, Варгина, 1814; портрет П. М. Вишнякова, 1821).
Задачи отображения реального мира встают в начале XIX века перед русскими пейзажистами. Пейзажный жанр предыдущего столетия отставал в своем развитии от портрета и исторической картины, и в начале рассматриваемого периода большинство пейзажистов еще тяготеет к традициям классицизма.
Наиболее крупным из видописцев начала XIX века был Андрей Ефимович Мартынов (1768—1826). Важную роль в становлении художника сыграло его путешествие в 1805—1806 годах в свите графа Головкина в Китай, когда он проехал от Петербурга через Москву, Казань и Сибирь до Кяхты. Результатом поездки стало создание несколько позже ряда ландшафтов («Байкал», 1810; «Вид реки Селенги», 1817) и видов городов (Казани, Нижнего Новгорода).
Большую дань пейзажу отдал, наряду с иллюстрацией, и выдающийся гравер
С. Ф. Щедрин. Вид с Петропавловского острова в Петербурге. 1816 г. Холст, масло. 68*95,5. Санкт-Петербург. Государственный Русский музей
Степан Филиппович Галактионов (1779— 1854). Известны его работы: «Старый дуб на берегу моря близ Кронштадта» (1801); «Вид Марли» (1805); «Вид Петергофской гранильной фабрики» (1808); «Пруд в парке» (1847).
Видописцы первых десятилетий века подготовили почву для расцвета творче-
ства Сильвестра Феодосиевича Щедрина (1791—1830) — сына известного скульптора. В 1800 году Щедрин поступил в Академию художеств, где пейзажным классом руководил его дядя Семен Федорович Щедрин. Учителями будущего знаменитого живописца были М. М. Иванов, Ф. Я. Алексеев и Т. де Томон. В 1811 году Сильвестр Щедрин окончил академию с золотой медалью (за картину «Вид с Петровского острова в Петербурге») и вскоре создал ряд пейзажей: «Вид с Петровского острова на Тучков мост» (1815); «Вид на Биржу с набережной Невы» (1817).
Летом 1819 года художник отправляется в Неаполь писать акварельные виды Для великого князя Михаила Павловича. Эти работы выполнены в лучших традициях классицизма: «Неаполь. На набережной» (1819); «Вид Неаполя» (1820-е). В последующих работах Щедрина проявляются веяния романтизма («Водопад в Тиволи», 1821-1823; «Новый Рим», 1823-1825).
Художник завязал дружеские отношения с местными рыбаками, и в 1825— 1827 годах отразил жизнь итальянского простонародья в серии «Гаваней в Сорренто», видах острова Капри и т. п. Получили также известность интерьерно-жанровые серии Щедрина — «Гроты» и «Веранды», созданные в 1826—1829 годах. Одна из лучших работ этого периода и всего творчества художника — картина «Лунная ночь в Неаполе» (1828—1829). Творчество Щедрина явилось замечательным итогом всего предыдущего развития русской пейзажной живописи и открыло собой новый этап ее развития.
Дальнейшее развитие в начале XIX века получает бытовой жанр. В жанровой системе, насаждавшейся Академией художеств, бытовой картине придавалось третьестепенное значение, однако прогрессивный русский художник Алексей Гаврилович Венецианов (1780—1847) утвердил
бытовой жанр (и вообще реалистическую живопись) в качестве равноправной и важной области искусства. Уже ранние картины Венецианова принесли ему известность: «Портрет матери» (1801); «Портрет М. А. Фонвизина» (1812). За создание портрета К. И. Головачевского с воспитанниками Академии художеств (1811) художник получил звание академика.
Талант Венецианова наиболее полно отразился в картинах и этюдах, посвященных крестьянам и их быту («Гумно», 1822—1823; «Лето. На жатве», 20-е годы). Особое место в живописи Венецианова занимало изображение интерьера («Утро помещицы», 1823). Часто Венецианов вводит в свои портреты жанровые мотивы: живой, энергичный мальчик Захарка
ухватился рукой за древко топора (1825); величественно держит косу спокойная крестьянка Пелагея.
Одним из лучших крестьянских портретов Венецианова считается «Девушка
с васильками» (1820-е годы). Хрупкая, исполненная естественности фигура девушки изображена на фоне зелени: крестьянка присела под дерево, устало сложив на коленях руки. Неяркие блики солнца скользят по ее лицу, одежде, загорелым пальцам рук; вся фигура окутана мягким воздухом. Нежно голубеют на свету лежащие на коленях васильки. С проникно-
венным лиризмом Венецианов затрагивает здесь тончайшие ноты интимного переживания человека, раскрывает его трепетный душевный мир. Это делает созданный им образ одухотворенным и красивым. Дальнейшее развитие народного образа находит воплощение в его «Гадании» (1842), в полотне «Девушка на сеннике» (1830-е годы).
В середине века важнейшее место в живописи России занимает известнейший художник Карл Павлович Брюллов (1799—1852), сын профессора Академии художеств П. И. Брюллова, брат архитектора А. П. Брюллова. Слава, которая сопровождала художника в течение всей жизни, пришла уже во время его учебы в академии: высокую оценку преподаватели и публика дали его работе «Нарцисс» (1819). Большая золотая медаль, полученная Брюлловым за героико-идилли-ческую картину «Явление Аврааму трех ангелов у дуба мамврийского» (1821), дала возможность братьям Брюлловым поехать для продолжения учебы в Италию. За границей Брюллов разрабатывал мифологические темы и сюжеты («Дафнис
и Хлоя», 1824; «Клеобис и Битон», 1823— 1827), а также жанровые сцены: «Итальянское утро» (1823); «Вечерня».
Большую роль в творческом развитии художника сыграли картины «Итальянский полдень» (1827); «Итальянка, собирающая виноград» (1827). Со временем в произведениях Брюллова усложнялось повествование, большее значение приобретал пейзаж, а тона становились все чище и прозрачнее: «Гулянье в Альбано» (1830); «У Богоро-дицкого дуба» (1831). Около 1832 года художник создал «Вирсавию», произведение, которое как бы подводило итог его творческим исканиям в области жанровой живописи и мифологии. Большой оригинальностью и живой наблюдательностью отличаются многочисленные портреты Брюллова: портрет К. А. Тона (1823—1827), А. Н. Львова (1824); портрет Г. И. Гагарина (1828—1830). Особенно блистательно развернулся декоративный и «режиссерский» дар Брюллова в портрете великой княгини Елены Павловны с дочерью (1830).
Умение художника передать движение сказалось в конном портрете, бывшем тогда редкостью в русском искусстве. Одним из лучших конных портретов Брюллова можно считать его широко известную «Всадницу» (1832). В этом и последующих больших портретах Брюллов разрабатывает особый, свойственный только ему тип портрета, называемый искусствоведами портретом-картиной. Модель предстает перед зрителями в окружении многочисленных деталей, в интерьере или на лоне природы. Примером портрета-картины служит портрет Ю. П. Самойловой с Джо-ванниной Пачини и арапчонком (1832—1834). В портрет Ю. П. Самойловой, женщины, связанной с художником тесными узами дружбы и любви, Брюллов вложил всю силу своего вдохновения. Портрет отличается особым повышенным строем чувств, проникнут ощущением радостной полноты жизни. Групповой портрет решен здесь как жизненная сцена. Возвращаясь с прогулки, Самойлова нежно обнимает встречающих ее юных друзей — Джован-нину Пачини и арапчонка. Естественно сочетаются убедительность изображенной ситуации со зрелищностью парадного полотна. Но чувства героев переданы с большим разнообразием. Пылкая Самойлова охвачена негой, доверчиво нежна Джованни-на, почтительно робок арапчонок. Все трое в согласном ритме движутся вперед.
Последним полотном, созданным Брюлловым в Италии, был портрет О. И. Орловой-Давыдовой с маленькой дочерью (1834).
После возвращения в Россию Брюллов написал более 80 портретов. Большой декоративной прелестью отличаются групповой портрет К. А. и М. Я. Нарышкиных (1827), портреты Е. П. Салтыковой (1833—1835) и О. П. Ферзен верхом па ослике (1835).
В начале 1840-х годов художник приступает к реализации большого замысла, возникшего у него в Италии при посещении раскопок древнеримского города Помпеи. Свойственное ему драматическое восприятие жизни нашло свое воплощение в картине «Последний день Помпеи» (1830—1833). Это наиболее знаменитое из всех произведений Брюллова представляет собой масштабную, яркую сцену, не лишенную, впрочем, некоторой театральности. В апреле 1849 года тяжелая болезнь заставила художника уехать на остров Мадейру, где он работал над иллюстрациями к историческим хроникам А. Дюма. Совершенна тема красоты человека в последних работах Брюллова, портретах А. и В. Тит-тони (1851). В творчестве Брюллова, охватывающем более трех десятилетий, проявились многие существенные стороны развития русского искусства 1820— 1840-х годов. Работы мастера нашли живой отклик у современников как в России, так и в Западной Европе. У него бьшо множество учеников и подражателей: О. Тима-шевский («Итальянка у колодца»), Я. Капливая новые художественные идеи и принципы к традиционной системе, эти мастера развивали преимущественно идеализирующие и консервативные тенденции романтического течения. Среди таких художников наиболее известен Феков («Вдовушка», 1851), Т. Г. Шевченко («Автопортрет», 1840—1841).
Академия художеств испытывала воздействие процессов, протекавших в худо-
жественной жизни Европы 1830—1850 годов.
Индивидуальным почерком среди молодых академических художников выделялся Н. П. Ломтев («Грот нимфы Эге-рии близ Рима», 1840-е годы). Героическая тема полностью исчерпала себя в академической школе к концу первой половины XIX столетия, так как оказалась бесконечно далекой от воплощения острых социальных проблем и от демократического движения конца 1850— 1860-х годов.
Сложными, многообразными путями развивалась в 1830—1850-х годах пейзажная живопись. Большую роль в ней играли традиции видового пейзажа, представленного в начале XIX века творчест-
Среди новой волны своим мастерством выделялся Максим Никифорович Воробьев (1787—1855). Ему принадлежит заслуга создания особого, несколько торжественного в своей внешней романтичности пейзажного образа Петербурга и других городов: «Вид Одессы» (1832); «Взрыв в Варне» (1830); «Осенняя ночь в Петербурге» (1835); «Лунная ночь в Петербурге» (1835). Среди многочисленных учеников Воробьева наиболее талантливым был Михаил Иванович Лебедев (1811—1837). Известны его картины: «В ветреную погоду» (1833); «Аричча близ Рима» (1835); «Вид окрестностей Алъ-бано близ Рима» (1836); «В парке Гид-жи» (1837).
Живописцем, наиболее глубоко выразившим существенные идеи и художественные искания своей эпохи, в ряде произведений возвысившимся до величайших реалистических завоеваний, был Александр Андреевич Иванов (1806—1858). За время своей менее чем 35-летней творческой жизни он совершил работу, равную по значительности работе трех или даже четырех поколений живописцев, далеко опередив своих сверстников.
В стенах академии Иванов писал мифологические и библейские композиции: «Приам, испрашивающий у Ахиллеса тело Гектора» (1824); «Иосиф, толкующий сны в темнице хлебодару и виночерпию» (1827). Решение работать над темой «Явление Христа народу», созревшее весной 1833 года, предопределило судьбу Иванова на многие годы. С этого момента начи-
нается беспримерный подвиг художника, не имеющий, пожалуй, аналогов во всей истории искусства. В 1830—1840-х годах Иванов проделал большую подготовительную работу: изучал классические произведения, предпринял поездку в Палестину. Он создал множество предварительных эскизов, рисунков и картин, которые впоследствии легли в основу знаменитого полотна: «Явление Христа Марии Магдалине после воскресения», «Голова апостола Андрея», «Драпировки одежд на фигурах левита и ближайшего к Христу», «Голова Христа и античные маски», «Голова Иоанна Крестителя», «Прислушивающийся старик, сидящий на земле», «Странник».
Композиция «Явления Христа народу» складывалась в процессе выявления в толпе отдельных групп — «ансамблей» или «эпизодов», как их называл художник. В группы объединялись фигуры, связанные между собой общностью чувств или, наоборот, сопоставленные в обдуманных контрастах.
Работа над эпической картиной «Явление Христа народу» поставила художника перед необходимостью решать вопросы пейзажного фона. В конце 1840-х этот жанр вдохновил Иванова на создание ряда картин. Около 1845 года в творческой жизни Иванова происходит большое событие — архитектор храма Христа Спасителя К. А. Тон заказал художнику запрестольный образ «Воскресения Христова». В эскизах к «Воскресению» сделана попытка использовать некоторые иконографические типы и композиционные приемы древнерусской живописи («Воскресение», 1845). Эта работа повлияла на последние творческие годы жизни Иванова (конец 1840-х — 1850-е годы), когда художника вдохновляли в основном библейские сюжеты: «Ангел поражает За-харию немотой»; «Торжество примирения»; «Сбор манны в пустыне»; «Проповедь Христа в храме».
Иванов мечтал, что его работа послужит назидательным примером для молодых русских художников. Историческое развитие русской живописи вполне оправдало его надежды. Сама личность и жизнь Иванова неизменно вдохновляли и вдохновляют художников на бескорыстное служение искусству.
Развитие бытового жанра играло немаловажную роль в процессе углубляющегося познания действительности, приближения искусства к жизни. По сравнению с предшествующим периодом в произведениях бытовой живописи середины XIX века несколько ослабевает поэтически-мечтательное, лирическое начало, составлявшее привлекательную особенность лучших полотен Венецианова и его первых учеников.
В середине века восприятие художников становится более трезвым и сдержанным. В их картинах ощущается желание подробно воссоздать обстановку, предметы быта. Жизнь города, его будни, жизнь людей разных общественных слоев и прежде всего «низших», трудовых сословий определяли содержание большинства подобных картин. Вместе с тем в бытовом жанре все большее значение приобретают изображения деревенских сцен.
Одним из первых художников, обратившихся к новым темам, был ученик Венецианова Лавр Кузьмич Плохое (1810— 1881), автор известных картин «Кучерская в Академии художеств» (1834); «Столярная мастерская» (1845). Сходными чертами отличались и работы Игнатия Степановича Щедровского (1815—1870), заинтересовавшегося бытовым жанром в конце 1830-х годов: «Чтец на набережной» (литография, 1845); «Торговка апельсинами» (1840-е). В картине «Сборы на охоту» (1836) живописец Евграф Федорович Крендовский (1810 — после 1853) пред-
ставил характерную для венециановцев сцену в интерьере, запечатлев на полотне себя и своих друзей.
Также в русле венециановского направления работал Иван Трофимович Хруц-кий (1806 — после 1855), став признанным специалистом в изображении интерьера и натюрморта: «Натюрморт» (1850); «В комнате» (1854).
Значительную роль в развитии реалистических тенденций в искусстве 1830-— 1850-х годов сыграло московское Училище живописи и ваяния, в котором открылась работа натурного (1832), а затем художественного (1833) классов.
Наиболее полно и отчетливо новые принципы реалистической живописи, характерные для искусства 1840-х годов, проявились в творчестве художника Павла Андреевича Федотова (1815—1852). Впервые в русском бытовом жанре Федотов попытался дать критический анализ
бытии повседневности. Сын военного, Федотов не сразу пришел в искусство. Находясь на военной службе в Петербурге, он посещал вечерние’классы Академии художеств, много рисовал с натуры. В 1846 году была создана первая значительная картина Федотова — «Свежий кавалер». Показывая перебранку между неопрятным чиновником и его грубоватой кухаркой, художник дает острую характеристику своих ограниченных, духовно ничтожных героев. В 1848 году появилось «Сватовство майора». Великолепная живопись сочетается в этой картине с занимательностью сюжета, остротой характеристик жеманной купеческой дочери-невесты и ее бравого жениха-офицера. В своем творчестве Федотов проходит путь от комедии до психологической драмы в знаменитой картине «Вдовушка» (1-й вариант — 1851). «Вдовушка» — одно из самых поэтических произведений Федотова, в котором проявилась тоска художника по прекрасному. Он создал три варианта картины. Это было не просто повторение, а развитие и усложнение первоначального замысла. От непосредственного изображения печального события Федотов шел ко все более обобщенному и эмоционально углубленному раскрытию темы. «Вдовушка» представляла собой однофигурную композицию, в которой молодая женщина оставалась внешне бездейственной, но всем своим обликом выражала глубокую скорбь. Заключительной главой творчества Федотова явилась картина «Игроки» (1852).
Федотов не был одинок в борьбе за реалистическое искусство. В конце 40-х годов выдвигается немало живописцев, близких по своим творческим интересам к Федотову и испытавших на себе его благотворное влияние.
Провинциальная живопись XIX века значительно отличается от творчества художников обеих столиц. В течение всего столетия русская провинция знала в основном лишь две разновидности живописи: продукцию иконописных артелей или мастерских и светскую живопись крепостных, «господских» художников. Среди них можно отметить Н. Д. Мыльникова, работавшего в 1820—1840-х годах в Ярослашю («Портрет неизвестной» [1825]; «Портрет неизвестного мальчика» [1827]). В пейзажном жанре интересны работы Л. Д. Крюкова (вид имения Молоствовых «Три озера», акварель, 1820-е) и А. Н. Ракович (1815—1866), автор пейзажа «Петропавловская церковь в Казани» (1845).
В то время в России существовал ряд небольших живописных школ, выраставших из иконописных мастерских. Пионером создания частной живописной школы считается арзамасский иконописец А. В. Ступин (1776—1861). Известны картины Ступина «Портрет Е. М. Ступиной» (1817), «Мальчик с листком» (1820-е).